Nova dans la gueule du monde

Surnommée la Aretha Franklin africaine, Oumou Sangaré est une des plus belles voix du continent Africain, adulée par Beyoncé, et de nombreuses stars internationales de plusieurs générations.
Femme puissante et hyperactive, Véritable working girl, artiste, business-woman bienfaisante, Oumou crée des entreprises d'hôtellerie, d agriculture, des compagnie de voiture pour créer de l'emploi au Mali mais aussi des festivals pour promouvoir la culture wassoulou et les femmes. C’est l’esprit de son nouvel album "Timbuktu" (World Circuit Records), un de ses meilleurs disques. Sur une musique riche qui marie habilement blues, riff électriques et sonorités traditionnelles mandingues et rythmes du wassoulou, Oumou Sangaré va chanter sa culture d'une manière sincère et inimitable. C'est pendant sa tournée que je retrouve la chanteuse charismatique autour d'un café, elle m'emmène dans son enfance (elle qui chantait déjà dans des stades à 5 ans) jusqu'aux États-Unis, où elle a composé ce nouveau disque en plein confinement. Celui-ci pourrait être le roman de sa vie mais aussi de l'histoire de la musiques malienne qui sera une des sources de la culture afro-américaine.

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25 ans que le groupe touareg Etran de l'Aïr parcoure le Niger pour embellir les fêtes de mariage avec leur musique rock métissée de rythmiques du désert, de blues et même de soukouss. Une multitude d'influences à l'image de leur bouillonnante et multi-culturelle capitale Agadez. Ce band familial, composé de frères nomades s'est installé dans l’Aïr depuis les années 1970 pour fuir les sécheresses. Les groupes de guitares font partie intégrante du tissu social, ils jouent dans les mariages, les baptêmes et les rassemblements politique. C'est dans un de ces événements que le producteur américain Christopher Kirkley les découvre et décide de les signer sur son label Sahel Sounds. Ils enregistrent en quelques jours dans un studio mobile à la maison pour faire naître "Agadez", un album roots qui exalte les ambiances de fêtes, de bar haoussa, de blues et de rock saharien.

Lors de leur première date en France, au mythique Grrrnd Zero, j'ai pu revenir avec cette formation sur leur histoire inhabituelle, des concerts nocturnes dans les mariages de leur quartier Abana aux scènes du monde.

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Souriante, détendu et charismatique, la jeune chanteuse franco-américaine s'est livrée quelques minutes pour me partager ses multiples vies. Fille de la manageuse et productrice de concert, spécialisée sono mondiale, Valérie Malot, et du saxophoniste new-yorkais, David Murray, collaborateur de John Coltrane, Crystal Murray a été bercé par le jazz, la soul et le hip-hop. Elle se fait connaître à Paris dès l’adolescence dans le crew de modeuses Gucci Gang. Puis c'est le début de sa carrière musicale avec son premier EP "I Was Wrong" qui la fera rapidement connaitre auprès du grand public. Crystal est sincère, libre, elle brise les codes, ne voulant pas être enfermé derrière une image ou un style musical, elle peaufine son univers et vient de dévoiler le 11 février son nouvel EP "Twisted Bases".
Sur ce disque engagé, mettant en valeur les femmes, l'amour, et alertant sur de nombreux préjugés, elle alterne rap et chant sur des sonorités rnb électronique, nu soul, pop grime et two-step.
Crystal Murray représente le futur du groove sous toute ses formes et me raconte de manière humble son parcours.

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Lors de son premier concert à Paris dans le cadre du MaMA Festival & Convention, la rappeuse et chanteuse malienne Ami Yerewolo m’a raconté son destin musical unique. Aminata Dianoko de son vrai nom, fait partie de cette nouvelle génération africaine incarnant une nouvelle vision du hip-hop, qui puise dans les rythmes traditionnels et les sonorités électroniques. Depuis 10 ans, Ami sillonne les scènes maliennes avec son flow percutant en bambara ou en français. Engagée, féministe, résistante, elle incarne avec brio cette culture underground en effervescence sur le continent Africain. La rue, son terrain de jeu, ses inspirations, elle va d’ailleurs se produire dans les "balani show", ce sound-system bamakois DIY diffusant des productions électro-mandingues sur lesquelles la rappeuse va toaster.
Lauréate du prix RFI découverte, elle crée dans la foulée en 2017, le festival, Le Mali a des rappeuses , pour mettre en lumière  les artistes hip-hop féminines. Un deuxième album l’a fait tourner à l’international et lui permettra de rencontrer le chanteur et producteur camerounais Blick Bassy qui la fait signer sur son label Othantiq AA. Il va l’aiguiller pour qu’elle exprime son propre univers au sein d’un nouvel album “AY” sorti en avril dernier. La rappeuse dévoile une nouvelle facette du hip hop et des musiques africaines et poursuit son engagement en faveur des femmes et de la culture mandingue.

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Lors des 40 ans du festival Jazz à Vienne, j’ai eu l’honneur de retrouver le pianiste et organiste malien Cheick Tidiane Seck. Ancien pilier du Super Rail Band de Bamako aux côtés de Salif Keita et Mory Kanté dans les années 1970 puis membre des fameux Ambassadeurs dans les années 1980. Puis il sera propulsé sur le devant de la scène grâce au chef-d'œuvre Sarala, coréalisé avec Hank Jones en 1995 et continuera à composer et sortir des disques dont le fameux Guerrier, mêlant habilement musique mandingue et jazz. Durant ces quarante dernières années, Cheick a joué avec les plus grands, Wayne Shorter, Carlos Santana, ou Randy Weston à qui il a rendu hommage avec un album sorti sur le label Komos : "Timbuktu - The Music of Randy Weston” qu’il a joué dans une création unique ce soir là dans le théâtre antique de Vienne en composant ce spectacle avec le maître du guembri Majid Bekkas. Cheick Tidiane Seck se remémore ses souvenirs de musicien et son histoire avec le regretté pianiste américain.
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Lors de ce festival incontournable, j'ai pu rencontrer le rappeur belge d’origine congolaise Badi. De son vrai nom, Badibanga Ndeka, l'artiste a grandi à Bruxelles influencé par le son de ses ainés, forcément la rumba congolaise avec son groove inimitables et ses idées panafricaines, qui vont le marquer. Mais dans la capitale belge dans les années 90, Badi va baigner dans la vague hip-hop qui déferle sur le monde et va rapidement devenir un acteur notoire de cette scène. Tout d'abord avec le collectif le Chant D. Loups puis en solo. Badi n’aime pas être enfermé dans un genre musical, pour cela il développe un univers afrofuturiste mêlant rap, afro house et rythmiques et mélodies congolaises vintages. Pour associer ces musiques et soutenir son discours engagé au sein de son nouvel album "Trouble Fête", il fait appel au fondateur de l’Ancestral Soul, pointure dans la house, le producteur et dj centrafricain Boddhi Satva. Ce dernier signera ce disque sur son fameux label Batakari. Un album où le rappeur rend hommage aux cultures africaines et afro-descendantes tout en leur ouvrant la voie vers le futur.
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Oghene Kologbo est né à Warri, au Nigéria en 1957. Son père, Joe King Kologbo, était un célèbre musicien de Highlife. Dès l’adolescence, Kologbo a commencé à jouer avec le maître de l’Afrobeat et révolutionnaire Fela Kuti. Kologbo enregistrera plus de 50 disques avec son groupe Afrika 70. Il jouait les lignes hypnotiques de guitare ténor, mais bien souvent c’est aussi lui qui jouait la basse et la guitare rythmique sur les disques. Kologbo était l’assistant personnel de Fela, son magnétophone, il mémorisait les mélodies qu'il lui murmurait afin de garder une trace des inspirations des futurs titres phares afrobeat du Black President. En 1978, après un concert au festival de jazz de Berlin, Kologbo a quitté le groupe, accompagné de Tony Allen et quelques autres, et s’est installé à Berlin. Il collabore avec beaucoup d’artistes renommés tel que Brenda Fassie, King Sunny Ade, ou encore avec le groupe de reggae Roots Anabo. En 2005, Kologbo intègre l’Afrobeat Academy, le meilleur groupe d’Afrobeat de Berlin, qui par la suite a donné naissance au groupe du guitariste Ghanéen Ebo Taylor, puis à celui du chanteur Ghanéen Pat Thomas. En 2007, Kologbo se lance en solo avec un premier album en hommage à Fela puis un nouvel album Africa is The Future sorti sur le label français Paris DJs. Un album qui est le résultat d’une énergie collective. On retrouve ses compères Tony Allen, Pat Thomas ainsi que le deejay Joseph Cotton, la chanteuse Ayo, et des membres de Frères Smith, d’Antibalas et du Newen Afrobeat. Kologbo livre sa version de l’afrobeat du XXIème siècle dans sa forme la plus pure, mélangeant les inspirations d’origine et les styles plus modernes. Il en profite pour nous raconter en détail la naissance de ce disque et nous raconte comment est né l’Afrobeat dans les années 70 quand il côtoyait Fela Kuti ou encore Orlando Julius.

« Tous mes souvenirs sont cool, je les apprécie mieux maintenant. J’essaie de tous les partager, car si je meurs, ils vont disparaître et on va plus s’en rappeler alors je les transmets gratuitement le plus possible. Les gens achètent mes places, viennent me voir, et me disent que de partout au Rwanda, au Niger, tout le monde écoute l’afrobeat. Je suis content, le rêve de Fela se réalise et l’afrobeat devient connu mondialement. »






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Lors des Trans Musicales de Rennes, j'ai rencontré le duo d'extraterrestres IKOQWE. Composé du beatmaker & batteur Coqwe (Batida) et du rappeur Iko (Ikonoklasta), ces deux musiciens à l'attitude étrange ont leurs visages camouflés par des bandages suite à leur crash sur Terre. Depuis ce moment, le binôme va étudier l'être humain, nos comportements, ainsi que nos différentes cultures et traditions. De ces observations est né leur album "The Beginning, The Medium, The End And The Infinite" (Crammed Disc), un disque afro-futuriste mêlant les sonorités traditionnelles angolaises avec le hip-hop et différents genres musicaux électroniques (afro-house, kuduro digital). Sur cette musique puissante et pointue, les deux complices combattent la négativité de l'humain, le clivage nord-sud et le néo-colonialisme tout en proposant des solutions au sein de textes rappés percutants. Apparemment derrière ces combinaisons étranges et visages dissimulés, ce serait peut-être deux artistes activistes angolais : le beatmaker Batida, fin producteur, activiste, icone du kuduro digital, et le rappeur militant Ikonoklasta !
(La réponse au sein de ce podcast).

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C'est à Paris, fief des 10 musiciens, que Michaël Havard (aka Wako), saxophoniste et co-fondateur du brass-band, me reçoit accompagné de leur chanteur et percussionniste Julien Cordin. Cela fait maintenant plus d'une décennie que la formation diffuse sur les scènes internationales leur formule explosive mêlant l'énergie d'une fanfare avec les sonorités mandingue du balafon mais aussi les grands genres musicaux qui ont fait l'âge d'or des musiques du continent africain dans les 60's et 70's. Balaphonics est né en pleine tournée du groupe d'ethio-jazz français Arat Kilo. Une partie des musiciens décide de marier leurs influences respectives telles que la rumba, le soukouss, le bikutsi, avec la puissance d'une fanfare. Ce laboratoire donne naissance à AfroMassivSoundSystem, leur premier album, qui les fera voyager à travers le monde. Notamment le Mali, où ils enchaîneront les collaborations avec des musiciens et des grandes voix du continent, qu'ils inviteront sur quelques titres de leur EP Balamako. Pour synthétiser au mieux ces rencontres et ces expérimentations, le groupe est retourné en studio, au fameux Mastoïd, pour concocter une nouvelle mixture sous la houlette de l'ingénieur du son Maxime Lunel. Ils ressortent avec "Spicy Boom Boom", leur album le plus aboutit, où chaque titre navigue entre plusieurs pays d'Afrique et époques.
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Quelques minutes avant son concert au festival Jazz à Vienne dans le théâtre antique, la chanteuse sénégalaise m’a raconté son parcours et son univers sonore métissé et spirituel. Révélée en tant que choriste aux côtés du légendaire batteur architecte de l’afrobeat, Tony Allen, la chanteuse va partager les scènes et poser sa voix aux côtés des grands noms de la musique du continent Africain tels que Youssou N’Dour, Lokua Kanza, Miriam Makeba, Oumou Sangaré, Femi Kuti et bien d’autres. Julia Sarr s’installe en France, il y a plus de vingt ans et enchaîne les collaborations artistiques, même de genres musicaux éloignés du sien. Cette polyvalence va lui permettre de fusionner les époques et les styles, comme pour son album Set Luna (Label No Format, 2005), réalisé avec le guitariste de jazz et de flamenco, Patrice Larose. Elle mêle sa voix mezzo-soprano aux différentes polyphonies africaines, sur une musique inspirée des sonorités mandingue, du jazz, et du flamenco. Julia Sarr se fait un nom et se produit sur les scènes internationales comme le prestigieux Carnegie Hall de New York. Les années passent, les collaborations et concerts s'enchaînent, et Julia présente un premier album solo en 2014, Daraludul Yow.  Elle y aborde la spiritualité, la culture sénégalaise, l’humain, et des sujets de sociétés sensibles. Au sein de ce disque rythmés par les tama, le sabar, le ngoni ou la kora, elle laisse une place majeur au piano pour accompagner sa voix en invitant au fil des morceaux, cinq pianistes de renom, Jean-Philippe Rykiel, Bojan Z, Mario Canonge, Fred Soul et Samuli Mikkonen. Elle profite de ce moment pour partager sa philosophie et présenter en avant-première son futur album qui tend vers la nu soul.
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Lors de la désormais célèbre Black Atlantic Club, cette soirée amorcée par le Dj James Stewart au Sucre, j’ai rencontré le trio sénégalais Guiss Guiss Bou Bess.
En wolof, “nouvelle vision”, le groupe bouleverse les codes de la sono-mondiale en apportant une nouvelle dimension pour les sonorités ancestrales sénégalaises.
Le groupe est né de la rencontre entre le sénéglais Mara Seck, son acolyte percussionniste Aba Diop et le beatmaker et sociologue français Stéphane Costantini. Ensemble, ils ont décidé d’apporter une nouvelle ère à un des styles et instruments les plus emblématiques du pays de la Teranga, le Sabar.

Leur chanteur, percussionniste et danseur Mara Seck est l’héritier du sabar par ses parents. Cet enfant du quartier bouillonnant de la Médina à Dakar est issu d’une grande famille de musiciens. Son père Alla Seck, parolier de Youssou N'Dour dans l’incontournable Super Étoile de Dakar l’a naturellement initié aux différentes traditions et courants musicaux du Sénégal. Sa mère a également joué un rôle important, griotte dans le célèbre Sing Sing Family, l’a formé aux danses et aux différents arts culturels du pays. Ce bagage culturel puissant, Mara va le mêler à son quotidien de citadin dakarois, rythmé par le hip-hop et les sonorités club. Il forme alors le groupe Guiss Guiss Bou Bess avec Aba Diop et Stéphane Costantini avec comme ambition d’électroniser le Sabar en mariant les percussions rituelles aux basses Uk garage, au grime et dubstep et aux beats house. Véritable laboratoire, la formation propulse les traditions dans des ambiance futuristes et explosives, accompagnées de chants spirituels et rassembleurs.

Les membres du groupe, Mara et Aba portent le message des Baye Fall, une branche mystique de l’Islam appartenant au mouridisme, fondée par Cheikh Amadou Bamba. Un mouvement qui a joué son rôle dans la résistance aux autorités coloniales et dans le partage de valeurs humanistes au Sénégal. Guiss Guiss Bou bess s’en imprègne avec une musique panafricaine qui brise les frontières, unifie et pousse les musiques ancestrales et les grands styles musicaux du continents vers le futur. Ils nous racontent leur histoire et présentent leur album Set Sela (Helico Music).

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Lors des 40 ans du festival Jazz à Vienne en juillet dernier, j’ai rencontré le bassiste et chanteur camerounais Richard Bona à l’occasion de son concert aux côtés du pianiste cubain Alfredo Rodriguez. Plus de 20 ans que le musicien amène un jeu de basse singulier dans le jazz et les musiques afro-descendantes au sein de ses albums et dans ses nombreuses collaborations.
De Minta au Cameroun à Paris, puis à New York, lorsque Harry Belafonte le repère, Richard Bona va entamer alors une nouvelle carrière aux Etats-Unis, où il réside toujours aujourd’hui. C’est dans ce pays, que dans les années 1990, Joe Zawinul voit en lui un héritier de Jaco Pastorius, et lui propose de devenir un élément clé de son Syndicate. Richard va se faire un nom notamment grâce à son groove unique. Il transpose les différentes rythmiques du continent Africain dans les lignes de sa basse et va de fait enrichir beaucoup de genres musicaux,  au point d’être considéré comme un des meilleurs bassistes de la planète.
Avec plus d’une quinzaine d'albums à son compteur, Richard Bona croise les styles et les époques dans des sonorités mêlant les traditions d’Afrique à leurs héritages outre atlantique. Visionnaire, panafricain aux lignes de basse inimitables et à la voix envoûtante, le musicien raconte son parcours hors du commun.

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Le 30 avril 2020, le batteur Tony Allen, monument de la musique africaine, nous a quittés. Architecte de l'afrobeat avec Fela Kuti, le musicien a multiplié ces dernières décennies les projets musicaux, brassant les genres et multipliant les rencontres. De ces moments de partage et de vie, deux musiciens français s’en sont inspirés pour poursuivre un travail malheureusement inachevé suite à la disparition du maestro. François-Xavier Bossard alias Fixi, l'accordéoniste de Java et Nicolas Giraud (trompettiste qui a accompagné Manu Dibango et Claude Nougaro) ont côtoyé très tôt Tony Allen, depuis 25 ans. Ils ont joué et créé ensemble et même produit quelques disques du batteur. Le batteur était une sorte de sage pour eux. “Tempo Tempo !” Leur disait-il lors de leurs séances de création. Cette citation devient le leitmotiv d’un album hommage, “Tempo Tempo! A Tony Allen Celebration”, Une conversation entre les compositions de Fixi et Nicolas Giraud, les enregistrements de batterie laissés par Tony Allen, et des chanteuses et chanteurs issu.es de près ou de loin de la sphère familiale ou musicale du batteur nigérian. Fixi raconte sa carrière, du groupe Java à cette célébration musicale vibrante à Tony Allen aux côtés de Romain Giraud.
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Rencontre avec la flûtiste-chanteuse,et muti-instrumentiste guadeloupéenne pour découvrir son premier album "Wastral". 
Née à Paris, Célia Wa a grandi en Guadeloupe et va être très vite initiée aux musiques traditionnelles afro-caribéennes comme le gwo-ka et le kaladja en intégrant l’école Marcel Lollia du célèbre professeur et musicien Georges Troupé. Elle trouve rapidement son instrument de prédilection, la flûte traversière, qu’elle ne délaissera jamais depuis sa première scène à l’âge de 12 ans. Les tournées commencent avec le big-band Kimbòl avec qui elle sillonne les festivals internationaux. Décidée à brasser plusieurs influences musicales dans ses compositions, elle rentre en métropole pour intégrer l'American School of Modern Music de Paris. Elle multiplie dès lors les collaborations en amenant son univers dans ExpéKa Trio aux côtés du batteur Sonny Troupé et de la rappeuse Casey. On la retrouve aussi dans l’album et le live du chanteur David Walters. En parallèle, Célia Wa développe son propre univers musical en mariant sa voix et les notes de sa flûte, avec les sonorités ancestrales afro-descendantes combinées à des ambiances aériennes, mystiques et électroniques. Au sein de ses différents EP et de son album Wastral (Heavenly Sweetness), la chanteuse et musicienne emmène les différents genres musicaux afro-descendants dans un autre-espace temps, où les traditions du tambour Ka, la soul engagée, le jazz, et le beats digitaux ne font qu’un.

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Le 16 juillet dernier, pendant mon séjour au Montreux Jazz Festival, j’ai pu rencontrer le chanteur sénégalais et lyonnais de cœur, Lass. A peine son premier single sorti, le voici propulsé sur la grande Scène du Lac où son concert fut apprécié par le public à l’unanimité. Il a sorti son premier EP le vendredi 22 octobre sur le label Chapter Two Records / Wagram. Au sein de ce disque, il chante d’une manière inimitable avec un timbre tantôt de miel, tantôt puissant, sur un univers mêlant l’héritage des grands orchestres d’Afrique avec l’afro-pop et l’électronique. Lass peut-être considéré comme l’une des nouvelles voix d’or du continent africain. 

Le chanteur s’est confié sur son destin incroyable. Il se dit sauvé par la musique, lui qui observait dans sa jeunesse à Dakar les prestations de Omar Pène et Ismaël Lô dans le club de Youssou N’Dour, a décidé de reprendre le flambeau. Tout d’abord en se produisant dans les nombreux soundsystem de la capitale sénégalaise, ce qui lui fera éviter un exil spontané en pirogue vers l’Europe avec des amis d’enfance.
Quelques années plus tard, Lass s’installe en France, à Lyon, pour démarrer une nouvelle vie musicale. Il fait une rencontre déterminante avec le producteur Patchworks qui décèle en lui ce grain de voix magnétique, qui n’est pas sans rappeler les grands chanteurs de la musique afro-latine sénégalaise. Il intègre alors le collectif Voilaaa et chante avec eux des titres qui deviendront des classiques de leurs albums. Cette aventure de rencontre se poursuit lorsqu’il croise la route du duo Synapson. Même formule, il collabore avec eux et chante le fameux titre “Souba” qui devient un hit. Après avoir sillonné les scènes internationales avec ces différentes musiciens, Lass vient de sortir son premier EP qui rassemble ses multiples expériences musicales ainsi que les différents genres musicaux qui ont cartonné en Afrique, de l’afro-salsa au mbalax, en passant par la house et l’afrobeats, Lass incarne le futur de la musique sénégalaise.

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Lors de son passage à Lyon pour le festival du Péristyle de l’Opéra Underground, le chanteur, voyageur et multi-instrumentiste argentin Ignacio María Gómez m’a ouvert les portes de son paradis, Belesia. C’est le nom de son album mais aussi celui d’un paradis perdu où les hommes, les animaux, l’eau et les plantes communiquent ensemble. Chanté dans une langue intuitive, comparable aux chants chamaniques des icaros (chants de guérisons des amérindiens), les titres de ce disque sont habités, entre réminiscences du passé et visions futuristes. Ignacio Marcia Gomez propose un voyage sonore mystique au cœur de l’atlantique noir, où les musiques d’Afrique, des Caraïbes et d’Amérique latines communient. À l’image de son parcours, le jeune chanteur d'origine afro-argentine grandit dans une atmosphère musicale métissée à Cordoba, carrefour des folklores de son pays. Cette base et sa soif de curiosité vont pousser le musicien à s’initier aux sonorités mandingues et aux rythmes afro-latins en parcourant l'Amérique du sud, l’Afrique de l’ouest, le Japon et l’Europe. C’est dans ses périples, à Paris, que Ignacio croise le violoncelliste Vincent Segal qui lui présente Ballaké Sissoko et Loy Ehrlich, qui apparaissent sur son album. Belesia unifie les cultures et les époques, les genres musicaux et différentes générations de musiciens, guidées par les notes, l’aura et la voix de Ignacio María Gómez. 
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Pour inaugurer cette rentrée, il me paraît plus qu'évident de laisser Salif Keita, ouvrir le bal. Le 25 juin dernier à Jazz à Vienne à l'occasion des 40 ans de ce fameux événement. La voix d'or du Mali y a joué ses plus grands titres avec une orchestration plus traditionnelle, une mise en valeur de la culture mandingue qu'il représente depuis plus de cinq décennies. Salif Keita, est reconnaissable entre mille, tant par son charisme et son physique que par sa voix. Descendant de la famille fondatrice de l’empire de Mali, il est né à Djoliba en 1949, village au bord du fleuve Niger. Enfant albinos, il vit une jeunesse difficile dans ce pays qui voit sa maladie comme une sorcellerie. Il comprend l’importance de l’éducation pour briser certains tabous et décide de se réfugier dans les études pour devenir instituteur. Cependant, sa mauvaise vue l’empêche d’avoir accès à ce poste. Il va donc se tourner vers une autre passion, la musique. Une véritable infraction aux règles ancestrales de sa famille princière. Il va alors errer dans les rues de Bamako et chanter dans les bars et marchés, ce qui lui permettra de se faire rapidement remarquer grâce à son timbre de voix. Il intègre aussitôt le fameux Rail Band avec qui il remporte le succès en devenant un des chanteurs phares. Quelques années plus tard, il rejoint un autre groupe mythique, les Ambassadeurs du Motel de Bamako avec qui il chantera le tube Mandjou qui lui ouvrira les scènes internationales. Il poursuit ensuite l’aventure en solo avec plus d’une quinzaine d’albums sortis à ce jour. Le prince de la musique mandingue me raconte sa vie hors du commun dans ce nouvel épisode de Nova Dans La Gueule Du Monde.
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Mathieu Girod a rencontré le chanteur et musicien brésilien, lyonnais d'adoption, João Selva. De son vrai nom Jonathan Da Silva, ce fils d'un pasteur d’Ipanema, a grandi à Rio de Janeiro dans une communauté d’anciens prisonniers et d’artistes. De grands noms tels que Wanda Sá – une des icônes de la bossa nova – lui donne envie de jouer ses premières notes de guitares. IL va dès lors s'intéresser à plusieurs courants musicaux en s'initiant aux musiques traditionnelles et en passant des heures à écouter la collection de disque de son père. Troubadour des temps modernes, curieux, et mélomane, il débarque à Lyon pour des études universitaires sans pour autant oublier la musique. Il fonde le trio Forró de Rebeca avec qui il va sillonner les scènes de l'hexagone pour faire découvrir cette musique du Nordeste. Militant et décidé a défendre les sonorités ancestrales et le folklore brésilien, il associe ce trio avec au producteur américain Maga Bo sous le nom de Sociedade Recreativa. Un projet hybride mêlant rythmes traditionnel afro-brésiliens et indiens d'Amazonie avec les sonorités électroniques de la tropical bass. Quelques années plus tard, lors d'une jam à Lyon, il rencontre le producteur Patchworks (Voilaaa, Taggy Matcher) qui partage la même passion pour les musiques transatlantiques. Il deviendra le producteur des deux albums de João Selva, dont dernier en date Navegar sorti le 2 avril chez Underdog Records. Une plongée dans l'univers musical de l'Atlantique noir, où João nous emmène dans un aventure mêlant rythmes afro-brésiliens, funk, disco et sonorités tropicales et créoles. 
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Mathieu Girod s'est rendu de nouveau à Paris pour rencontrer le multi-instrumentiste, globe-trotteur et producteur. Saxophoniste dans le groupe d'ethio-jazz Akalé Wubé. Initiateur du projet sonore coréen Baeshi Bang 배씨방. Il dévoile ses multiples facettes et présente ses deux excellents albums solo Maputo Queens et Kobugi sortis sur son label Muju Records !
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Mathieu Girod vous partage sa rencontre avec le célèbre virtuose de la kora, Ballaké Sissoko. A l'occasion de la sortie de son nouvel album Djourou, le grand griot malien raconte quatre décennies de carrière musicale, de collaborations et de musique mandingue dont il incarne la 51ème génération de sa lignée !

Fils de Djelimady Sissoko, directeur adjoint de l'Ensemble Instrumental du Mali, Ballaké va écouter jouer son père durant de nombreuses heures. Un jour, ce dernier lui confie les clefs de sa chambre où reposait sa kora, afin qu'il reprenne le flambeau. Il intègre l'ensemble instrumental national et prend la place de son père après son décès. Il se forme en parallèle auprès de son oncle Sidiki Diabaté, père de Toumani. Héritier d'une tradition séculaire, Ballake Sissoko va entremêler les cordes de sa kora avec d'autres genres musicaux. Il en suivra des collaborations avec de nombreux artistes tels que le pianiste italien Ludovico Einaudi ou le contrebassiste Vincent Ségal, en passant par son projet 3MA au côté du joueur de valiha malgache Rajery et du joueur du oudiste marocain Driss El Maloumi.

Son nouvel album sorti sur le label No Format synthétise les nombreuses expériences de Ballaké Sissoko. Djourou signifie la corde, celle qui le relie aux autres, celle également qui lui a permis de perpétuer la tradition tout en l'amenant dans de nouvelles directions. Il en découle un de ses albums les plus aboutis où le kora fola invite au gré des morceaux de ce disque ses différents compagnons de route. 

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Le bassiste vénézuélien raconte son histoire et son expérimentation des rythmes afro-vénézuéliens. De ses collaborations avec The Heliocentrics et Family Atlantica à ses groupes Insólito UniVerso et son fameux Raúl Monsalve y los Forajidos. Mathieu Girod continue ses pérégrinations dans l’hexagone pour donner la parole aux artistes de la sono mondiale. A Paris, il a rencontré le bassiste vénézuelien Raúl Monsalve.

Ce musicien chercheur invétéré à la curiosité exacerbée s’est rapidement intéressé aux musiques et aux cultures afro-vénézuélienne, notamment celles de la région de Barlovento. Il va dès lors adapter ses recherches dans des compositions post-rock rythmées par des percussions caribéennes au sein de son premier groupe kRé, qu’il fonde à Caracas.

En parallèle il va synthétiser toutes ses influences et les différentes sonorités du Venezuela dans un projet perso, Raúl Monsalve y los Forajidos. Quelques années plus tard, le génie est à Londres, diplômé d'ethnomusicologie en poche.

Il croise une compatriote, Luzmira Zerpa, chanteuse au sein du groupe transatlantique Family Atlantica. Cette rencontre le mènera à jouer avec eux ainsi qu’avec l’excellent groupe londonien The Heliocentrics, qui tournait à cette époque avec le grand saxophoniste nigérian Orlando Julius. Avide de rencontre et véritable laboratoire du groove ambulant, Raúl Monsalve quitte l’Angleterre pour s’installer à Paris. Les rencontres fusent et aboutissent sur un nouveau groupe, Insólito UniVerso, une aventure psychédélique dans les musiques des plaines du Vénézuela.

Ce voyage sonore lui à aussitôt donner l’envie de créer une suite à son projet initial, Raúl Monsalve y los Forajidos, avec qui il a sorti Bichos, l'un des ses albums les plus aboutis, mariage des traditions de son pays avec l'afrobeat, le funk, le jazz, les sonorités psyché et électroniques.

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Mathieu Girod a rencontré l'icône du maloya Christine Salem lors de son passage au festival Au Fil des Voix au 360 Music Factory à Paris. 

La chanteuse réunionnaise, percussionniste et joueuse de kayamba a sorti son nouvel album, Mersi, sorti chez Blue Fanal. Dans ce disque elle rend hommage aux ancêtres dans un maloya roots et revendicatif toujours ouvert sur d'autres sonorités comme le blues et le rock. Elle y prône la paix et sa culture dans une musique incantatoire connectée à ses aïeux. Pour sublimer ce voyage mystique, elle fait appel au violon du virtuose Frédéric Norel et à l'énergie de son fidèle guitariste Seb Martel. Sans oublier ses musiciens et percussionnistes spécialistes du Maloya : David Abrousse et Harry Périgone.

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Mathieu Girod s’est rendu au 360 Music Factory pour rencontrer le mythique chanteur de rumba congolaise Sam Mangwana à l’occasion de sa venue pour le festival Au Fil des Voix.
Né en 1945 à Kinshasa de parents immigrés angolais, Sam Mangwana porte en lui cet exil et cette curiosité et soif de voyage. Bercé aux sons des indépendances et notamment de la rumba à la fin des années 50, le chanteur fait partie de l'époque où naît le panafricanisme. Au début des sixties, il intègre l'African Fiesta du Seigneur Tabu Ley Rochereau.

10 ans plus tard, il rejoint l'orchestre rival d'une autre légende, Franco et son mythique orchestre le TP OK Jazz. Cela en fera une affaire d'État. A cette période, Sam Mangwana voyage pour lutter pour l'indépendance de l'Angola. C'est en traversant des pays d’Afrique qu'il fonde plusieurs orchestres dont le Festival des Maquisards ainsi que le fameux African All Stars avec qui il a proposé les prémices d'un autre genre musical, le soukouss. Depuis une quinzaine d'années, il est retourné dans le pays de ses ancêtres, l’Angola. Il a sorti plusieurs albums dont Lubamba, sorti le 5 février qui signe son retour en Europe.

Sam Mangwana porte lui une histoire musicale du Congo et du continent Africain qu’il raconte dans cet opus de Nova Dans LaGueule Du Monde. 

(Photo : F. Blanquin)

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Mathieu Girod est parti à la rencontre du sextet suisse au sein de leur colocation à Genève. Au micro, l'un des membres fondateurs, le guitariste Stefan Lilov, revient sur l'histoire de cette formation née à la suite de jams à Londres lors d'un voyage scolaire. Les six musiciens vont alors créer une musique nouvelle et inclassable. Pour cela, ils puisent dans leurs différentes influences très inspirées de la sono-mondiale des 70's. Des allemands de Can en passant par le nigérian William Onyeabor ou Air, L'Eclair imagine une musique de danse non soumise aux impératifs de la musique club électronique. Exo ou proto-groove, house organique ou encore cold-post dub non conventionnel, la formation se joue des codes et brise les barrières pour tout réunir sous un seul mot : le groove.
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En attendant de découvrir ses futures rencontres, Mathieu Girod termine la troisième saison de #MidiDansLaGueuleDuMonde avec un épisode spécial consacré  aux sorties de l'été avec en prime quelques exclusivités à venir sur les labels Heavenly Sweetness, Out Here Records, Analog Africa, Jarring Effects, Bongo Joe Records, Blanc Manioc, No Format. 
Au programme un voyage musical entre l'Afrique, les caraïbes et les Amériques avec un tour d'horizon des scènes highlife, afro beats, cumbia psychédélique, afro-jazz et biguine.

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En mémoire de George Floyd, de Adama Traoré et tant d'autres, Mathieu Girod propose un tour d'horizon des musiques de résistance dans le monde. De l'afrobeat nigérian en passant par le reggae, le spoken-word créole ou les musiques mandingue, découverte de 20 morceaux d'artistes engagés dans la cause contre le racisme et les violences policières.
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Mathieu Girod profite de la présence d'une partie des musiciens du mythique groupe guinéen Les Espoirs de Coronthie pour revenir avec eux sur leur aventure unique qui dure depuis plus de 28 ans. Actuellement en préparation d'un sixième album inspiré par l'âge d'or des musiques guinéennes dans les années 60, ils racontent leur début à Coronthie, quartier populaire de la capitale Conakry, où tout à commencé. Dans ces rues, la plupart des jeunes tuent le temps dans la rue en jouant de la musique ou au foot, les deux rêves d'une jeunesse aux yeux rivés sur les continents du dollar et de l'euro. Une bande de gamin va sous la houlette de leurs aînés, Les Etoiles de Boulbinet, commencer à jouer la musique traditionnelle guinéenne pour lui offrir une nouvelle destinée, Les Espoirs de Coronthie vont naître et bouleverser la culture de leur pays.

Le leader Boubacar Camara (Manguê) accompagné des chanteurs Machété Touré et Aly Sylla (Sanso) vont poser leurs voix singulières sur un groove mêlant plusieurs époques musicales de la Guinée. Un mélange de sonorités mandingues, de reggae, de mélodies latines, savamment orchestré par les notes du balafon de Mohamed Camara (Yeliké), par la basse du bolon de Amara Camara (Éric) ainsi que les rythmes percussifs du djembé de Kiza Camara et de la calebasse de Nouha Camara (Colga). Sur cette musique complexe et dansante s'ajoute les résonances métalliques du gongoma (sanza guinéenne) de Boy et la kora de Sory Kandia Kouyaté (aka Kandia Kora) et bien-sûr la danse de Kassa. Ils vont dès lors réveiller la musique ancestrale de Guinée et la propager sur le continent africain. Après un premier album remarqué, ils font la rencontre de Antoine Amigues, jeune étudiant français en ethnologie, qui abandonnera rapidement son carnet de notes pour se joindre au groupe en tant que guitariste. Les Espoirs de Coronthie sont désormais au complet. Ils enregistrent aussitôt un second album, Dunyua Iguiri, qui sera vendu à plus de 70 000 exemplaires.

Pendant 15 ans le groupe va sillonner les scènes internationales et enchaîner les disques, dont le très acclamé Fougou Fougou (qui est également le nom de leur centre culturel qu'ils ont crée en Guinée). Actuellement, les membres des Espoirs de Coronthie sont situés entre Conakry et la France. Mengue continue ses discours engagés au sein de son projet solo, Sanso est actuellement le deuxième chanteur le plus côté du pays, Colga, Yeliké, Boy et Antoine ont leur propre projet en Europe. Cela n'empêche pas le groupe de se réunir à l'occasion de tournées et d'enregistrer des morceaux qui deviennent de véritables symboles de fierté auprès de la jeunesse guinéenne. La formation poursuit actuellement son travail de mise en valeur du patrimoine culturel guinéen en préparant minutieusement son retour avec un album en hommage aux orchestres nationaux du label Syliphone aux temps de Sékou Touré. 

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Mathieu Girod est parti à la rencontre du plus funky des groupes soudanais lors de leur participation à la Black Atlantic Live Session à l'Opéra Underground. Inspiré par la vague psychédélique funk qui a inondé le Soudan dans les 60's et 70's, The Scorpios a décidé de redonner vie à cet âge d'or d'une manière authentique et sincère.  La plupart des membres du groupe se sont formés dans des mariages et des festivals religieux. Avec la montée du fondamentalisme religieux, le groupe a fui leur pays d'origine pour trouver refuge en Angleterre dans les années 80. C'est à Londres qu'il rencontre le producteur et multi-instrumentiste Adam Bulewski qui tombe amoureux de leur son. Ensemble, ils élaborent une musique qui puise dans le "swinging Khartoum" des années 60 et 70 dont le père de Regia Ishag, la chanteuse du groupe, fût un des principaux artisans avec le mythique The Scorpions.

Adoubé en Europe avec la sortie de leur premier album sur le label Afro7, The Scorpios poursuit son expérimentation des sonorités traditionnelles des différentes parties du Soudan avec la funk seventies africaine. En exclusivité, les musiciens dévoilent des extraits inédits de leur futur disque.

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Le Montreux Jazz Festival annule son édition 2020, comme beaucoup d'autres grands rendez-vous musicaux. A cette malheureuse occasion, Mathieu Girod sort une interview qu'il avait soigneusement gardée de côté, réalisée dans son festival de prédilection.  Rencontre avec la grande voix coréenne Youn Sun Nah, icône mondiale du jazz vocal, considérée comme la relève de Billie Holiday et Sarah Vaughan.

C'est à 5 ans que l'artiste commence le piano. Après des études de lettres et un début de carrière dans la mode, elle se lance dans le chant avec le Korean Symphony Orchestra dans un répertoire gospel. Décidé à poursuivre le chant, elle quitte Séoul pour Paris en 1995 pour étudier le jazz dans la prestigieuse école, le CIM . Elle commencera alors à se produire dans les clubs et enregistrera son premier album. Aujourd'hui, cela fait plus de deux décennies que Youn Sun Nah impressionne par ses techniques de jazz vocal et de swing. Alternant les timbres de voix, capable de passer de l'onomatopée aux pianissimos tout en se munissant de son instrument fétiche, la kalimba, Youn Sun Nah raconte son destin musical dans son nouvel album "Immersion".

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Rokia Traoré est considérée comme une des plus grandes chanteuses du continent Africain de ces 20 dernières années. Toujours à diffuser ses messages sur les scènes du monde, l'artiste malienne, telle une nomade, transporte son art dans les différents pays qu'elle traverse. Le voyage elle le porte en elle depuis son enfance. Fille de diplomate, elle grandit entre l'Arabie Saoudite, l'Algérie, la Belgique et la France. Une jeunesse où l'artiste va s'ancrer dans la musique grâce à sa première guitare que lui offre son père. Elle enregistre ses premiers morceaux en 1995 sous la houlette du grand bluesman malien Ali Farka Touré. Deux ans plus tard, sa participation au Festival Musique Métisses d'Angoulême révèle sa voix au monde et sa carrière prend un tournant.

Plus de deux décennies se sont écoulées depuis ce moment, la musique de Rokia Traoré a séduit la planète avec sa musique engagée et riche d'influences. Un mélange subtile de traditions mandingues et de blues-rock soutenu par sa voix inimitable, grave et légèrement voilée, la chanteuse est dotée d'un puissant vibrato avec lequel elle grimpe parfois dans les aigus. 
Six albums acclamés et récompensés, on ne compte plus les prix obtenus par la chanteuse (World Music Awards de la BBC Radio 3, Victoire de la musique dans la catégorie « musiques du monde » ainsi que le prix de la meilleure artiste aux Songlines Music Awards).  De son premier album "Mouneïssa" en passant par "Tchamantché", "Beautiful Africa" ou "Né So", son sixième et dernier album en date, Rokia Traoré s'engage en musique pour défendre l'humanité et les femmes. En français, en anglais ou en bambara, la chanteuse milite et raconte l'histoire de son peuple sur les scènes internationales.

Après son dernier disque, enregistré comme le précédent avec le producteur John Parish, Rokia s'est intéressée en détails à l'histoire du Mali. Elle présentait Dream Mandé Djata, un hommage aux chants griotiques et à l'épopée l’épopée de Soundiata Keïta, fondateur de l'Empire Mandingue au XIIIe siècle. Ce véritable héros national et socle de l'histoire commune des maliens incarne les valeurs de dignité et de résistance dans l'imaginaire collectif. Des vertus que Rokia Traoré affiche si l'on devait faire un parallèle avec sa récente détention et grève de la faim en mars dernier. #Justice4Rokia

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L'Angleterre continue de s'affirmer comme le nouveau vivier du jazz et de la soul. Mathieu Girod a rencontré au Ninkasi Kao à Lyon, une de ses nouvelles représentantes, Mahalia. Biberonnée par les musiques américaines et par le reggae qu'écoutait sa famille de musiciens et notamment sa mère, une chanteuse d'origine jamaïcaine, la jeune mélomane va très vite reprendre le flambeau.
À 13 ans, elle est signée sur un label et dès lors, Mahalia commence a sortir régulièrement des singles et des EP. En 2017, elle se fera connaître au monde avec l'interprétation de son titre "Sober" lors de la session  A Colors Show sur Youtube, qui atteint aujourd'hui plus de 40 millions d'écoutes. Sa soul envoûtante et son r'n'b cosmique va se propager l'année suivante avec son EP "Seasons" qui permettra à Mahalia de faire les premières-parties de Lauryn Hill. Les collaborations vont alors se multiplier. La chanteuse sort en 2018 son nouvel album "Love and Compromise" et en profite pour inviter sur un morceau de sa musique mi old-school, mi futuriste,  la star montante de l'Afro Beats, Burna Boy. Un album riche d'influences et puissant, à l'image de la carrière de l'artiste. 

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Mathieu Girod est parti rencontrer le musicien iconique du reggae, Clinton Fearon. Véritable gardien du temple de cette musique, le chanteur, guitariste et bassiste jamaïcain fait parti des pionniers du Reggae Roots.  C’est en 1969 qu’il rejoint le légendaire groupe The Gladiators, au chant, mais aussi à la basse et à la guitare.  Une formation qui deviendra emblématique dès les années 70 avec des titres comme  "Chatty Chatty Mouth" et "Rich Man Poor Man" devenus cultes aujourd'hui, et dont Clinton Fearon était l’interprète.

Dans cette période, on le retrouvera en tant que musicien de session au Studio One de Coxsone et au Black Art Studio du légendaire Lee "Scratch" Perry. 
À la fin des années 80, lors d'une tournée aux Etats-Unis avec les Gladiators, Clinton  décide de rester là-bas et de s'aventurer en solo. Il formera tout d'abord The Defenders avec quelques membres du groupe puis son propre projet solo accompagné d'une nouvelle formation, The Boogie Brown Band. Depuis les années ont passé, une quinzaine d'albums à son actif, dont son nouveau, History Say (Baco Records), un disque où le chanteur raconte cinq décennies d'histoire du reggae et de la musique de son île.

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Rencontré en amont de la soirée "Tribute to Roy Hargrove" lors du Jazz à Vienne, Chucho Valdés, celui que l'on surnomme le "Mozart cubain" se confiait sur sa rencontre avec le trompettiste américain pour le projet américano-cubain Crisol. L'occasion pour le géant du jazz cubain (récompensé de neuf Grammy Awards) de raconter ses débuts aux côtés de son père Bebo Valdés, alors directeur artistique du cabaret La Tropicana à la Havane. Un lieu qui le formera au jazz et aux musiques afro-descendantes, il accompagnera de nombreuses pointures telles que Nat King Cole ou Sarah Vaughan.

Initié par son père aux sonorités afro-caribéennes qu'il incluent dans des rythmes appelés "Batanga", Chucho va s'intéresser de plus en plus au tambour batá, instrument sacré de la religion yoruba à Cuba. Une fois Bebo exilé en Europe pour fuir le régime castriste, Chucho va suivre le chemin paternel en sortant un album concept qui révolutionnera la musique afro-cubaine, Jazz Batá, en 1972. Il constitue ensuite différents groupes, notamment le Orquesta Cubana de Música Moderna, puis le fameux groupe Irakere, qui le fera connaitre au monde.

46 ans plus tard, le célèbre pianiste revisite son mythique album de 1972 en sortant Jazz Batá 2. Un disque qui marque également le centenaire de Ramón »Bebo » Valdès (1918-1913). Chucho Valdés livre une expérimentation sonore complexe et riche d'influences en tissant un lien d’une manière inédite entre le panthéon yoruba, les musiques afro-cubaines et le jazz.

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Grand ami de notre cher et regretté RKK (Rémy Kolpa Kopoul), Bonga  s'est livré au micro de Mathieu Girod lors de son passage l'été dernier au Festival Jazz à Vienne. L'occasion pour cette légende de la musique angolaise de replonger dans sa jeunesse en Angola, ses rencontres, son exil en Europe, sa carrière de sportif avortée pour la musique. Voix de la décolonisation, son timbre rauque et son univers vont populariser le Semba, qui deviendra le style musical de la résistance angolaise.

La vie de cet homme est un roman. José Adelino Barceló de Carvalho, de son nom africain, Bonga Kuenda, quitte l'Angola alors colonie portugaise dans les années 60 pour mener une carrière d'Athlète à Lisbonne. Champion du Portugal du 400 mètres en 1968, Bonga s’engage dans la lutte pour l’indépendance après avoir rejoint le club sportif Benfica. Recherché par la police politique en raison de son engagement, le sportif va vite troquer ses médailles pour la musique et la résistance en s'exilant à nouveau. Il arrive à Rotterdam au sein d'une forte communauté cap-verdienne et commence à composer avec eux. Il adopte le nom de Bonga Kuenda et enregistre un des plus grands albums de la musique africaine,«  Angola 72 ». Il est alors avec Fela Kuti, le premier artiste africain a renouer avec les formes ancestrales de la musique du continent. Depuis, presque 50 ans se sont écoulés, le chanteur continue à véhiculer ses chansons, ses idées politiques et ses souvenirs quelques fois nostalgiques, emprunts de "saudade". C'est la thématique de son dernier album en date "Recados de Fora" (messages d'ailleurs), qu'il présente en détails dans cet épisode de #MidiDansLaGueuleDuMonde.

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A l'occasion de son émission spéciale ce mardi soir sur Nova pour sa venue aux Inrocks Festival, Mathieu Girod partage sa rencontre avec Chassol qui jouait en exclusivité Ludi au Montreux Jazz…
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À l'occasion de sa venue à Lyon pour les Nuits Zébrées de Nova, Mathieu Girod a rencontré David Walters au 360 Music Factory à Paris lors du Festival Au Fil des Voix.C'est dans cette ville que l…
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Lors du Festival au Fil des Voix, Mathieu Girod s'est rendu au 360 Paris Music Factory pour rencontrer M'Toro Chamou. Juste après son concert dans ce fameux lieux niché au cœur du 18ème…
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Avant leur concert au Montreux Jazz Festival dans le Liszto Club, Mathieu Girod avait rencontré le plus funky des groupes napolitains, Nu Guinea. L'occasion de parler de leur fameux album Nuova…
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Mathieu Girod démarre l'année 2020 en rencontrant une légende du highlife ghanéen, Gyedu-Blay Ambolley. Croisé au début de l'hiver lors du Tribu Festival à Dijon, le chanteur et multi-instrumentiste…
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Mathieu Girod revient sur sa rencontre avec le plus iconique des musiciens africains, Manu Dibango. Lors de son "Safari Symphonique" au Jazz à Vienne, un concept afro-jazz et classique qui célèbre…
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Juste avant son concert dans le théâtre antique de Lyon lors du festival Les Nuits de Fourvière, le bluesman camerounais s'est livré au micro de Mathieu Girod sur son quatrième album "1958".…
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Après son concert remarqué à Jazz à Vienne, Mathieu Girod est parti à la rencontre de la poétesse et chanteuse haïtienne  Moonlight Benjamin. L'artiste charismatique à toujours mêlé les genres…
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Ils annoncent un nouvel album pour février 2020, Mathieu Girod a rencontré  le groupe pour découvrir en exclusivité ce futur opus, à l'occasion de leur passage au péristyle de l'Opéra de Lyon l'été…
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C'était le 20 juillet dernier lors du Festival les Nuits de Fourvière, notre reporter Mathieu Girod a rencontré le légendaire chanteur sénégalais Youssou N'Dour.Doté d'une voix faite de ténor et…
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Mathieu Girod est parti à la rencontre de celle qu'on considère comme l'héritière de Césaria Evora.  Mayra Andrade présente son nouvel album Manga, son histoire personnelle qu'elle chante dans une…
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C'est dans les quartiers cosmopolites du sud de Londres qu'une bande de jeunes musiciens décident de s'inspirer des sons de leurs aînés pour créer une musique nouvelle marquant ce lien…
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Réaliser un marathon de festivals sous le plomb de la canicule ? On a tenu le pari harnachés de nos casques, de nos micros et de notre bravoure. Mathieu Girod est allé à l’assaut du Montreux Jazz…
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A l'occasion de leur tournée anniversaire célébrant 40 ans d'aventure avec une date prévue le 7 juillet à Jazz à Vienne, Mathieu est parti à la rencontre de leur guitariste chanteur, Jacob Desvarieux…
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Mathieu Girod à profité de ses pérégrinations lors de Nuits Sonores pour rencontrer, au café, le leader du groupe amstellodamois. Connu pour avoir été le batteur de Jacco Gardner et de Altin Gun, ce…
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Pour comprendre leur musique explosive mêlant spiritualités africaines, rythmes percussifs, soul et esprit punk, Mathieu Girod est parti à leur rencontre.BCUC (pour Bantu Continua Uhuru…
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Des marchés de Mtandiré, leur bidonville de la capitale Lilongwe, aux scènes internationales, les deux musiciens ont sorti leur nouvel Wasalala sur le label suisse Bongo Joe Records. C'est dans…
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C'est à son hôtel, autour d'un café, le lendemain de sa prestation lors d'une soirée Mawimbi à Paris, que Déni Shain nous raconte ses 20 ans de voyages et de recherches musicales autour du monde.…
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Au 62 Rue Mazarine dans le 6ème arrondissement de Paris, les clients dansent jusqu'à l'aube sur la mezzanine/forêt vierge de la fameuse brasserie l'Alcazar. Une fois par mois se tient les Cancan…
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